O jornalista Luiz Orlando Carneiro morreu no dia 11 de janeiro, aos 84 anos, em Brasília. Ele estava internado em um hospital da capital e não resistiu a uma insuficiência renal.
Ele era reconhecido como decano na cobertura do Supremo Tribunal Federal (STF), na qual trabalhou como repórter até semanas antes de seu falecimento. As informações são da Agência Brasil.
A presidente do Supremo Tribunal Federal (STF), ministra Rosa Weber, e outros ministros da Corte e personalidades jurídicas lamentaram a morte do jornalista. As informações são da Agência Brasil.
Carneiro ingressou no jornalismo em 1959, como repórter estagiário do Jornal do Brasil, o famoso JB, no Rio de Janeiro. O ingresso na profissão se deu ainda antes de se formar em direito pela antiga Universidade do Estado da Guanabara, em 1963.
Ele fez carreira no jornal, que foi um dos mais importantes do país entre as décadas de 1960 e 1980. De estagiário, tornou-se subchefe de reportagem, editor executivo e chefe de redação, convivendo com figuras emblemáticas do jornalismo brasileiro, como Alberto Dines e Millôr Fernandes, entre muitos outros. Mudou-se para Brasília em 1979, onde chefiou a sucursal do JB.
Desde 1992, Luiz O. trabalhava na cobertura do Judiciário, em especial do Supremo Tribunal Federal (STF), cujo comitê de imprensa frequentou com pontualidade, diariamente, por mais de duas décadas. Sua última função foi como repórter do portal Jota, especializado na área. Não raro, auxiliava e corrigia erros comuns de jovens repórteres. Ao completar 80 anos de idade, o jornalista foi homenageado pelos ministros do STF, local onde cobriu a rotina da corte por quase 30 anos.
JAZZ
Além do notório saber sobre o mundo jurídico, o jornalista também era conhecido por sua paixão e profundo pelo jazz. Por décadas, ele manteve uma coluna no Jornal do Brasil para falar sobre lançamentos, shows e deliciosas histórias sobre o jazz. Carneiro lançou vários ivros sobre o assunto, entre eles, Jazz Uma Introdução e Obras Primas do Jazz.
Em 2009, quando escrevi o livro Jazz ao seu alcance, escolhi personalidades, entre elas, jornalistas e músicos, para falar um pouco sobre jazz e música instrumental brasileira. Para mim, contar com a entrevista de Carneiro no livro era fundamental para deixar o projeto realmente completo.
Além de Carneiro, tive a oportunidade de entrevistar nomes como Zuza Homem de Mello, Neyson Ayres, José Domingos Raffaelli e Roberto Muggiati. Veja a seguir alguns trechos da entrevista publicada originalmente no livro.
Estudei piano clássico dos 10 aos 15 anos, juntamente com meus irmãos. Nós ouvíamos então, principalmente, música clássica Bach, Beethoven, Mozart, Chopin, os impressionistas (Debussy, Ravel), os russos (Tchaikowsky, Rimski Korsakov) e, depois, Stravinsky, Prokofiev, Villa-Lobos, Bartok, etc. Eu admirava os grandes pianistas eruditos: Badura Skoda (Beethoven), Walter Gieseking (Debussy, Ravel), Horowitz, Brailowski, etc. Mas, como aspirante a pianista, eu não tinha futuro. Era aplicado, mas não tinha talento. Levava um tempão para “tirar” um prelúdio de Chopin mais ou menos fácil, como o nº. 5. Quando tinha uns 15 anos, descobri que havia grandes músicos além dos pianistas, violinistas (Isaac Stern) e violoncelistas (Pablo Casals) que tocavam música clássica. E que esses músicos que tocavam jazz (do bom, do autêntico) improvisavam como Bach e seus filhos improvisavam, “in illo tempore”, mas com swing.
Descobri o jazz quando ouvi e comprei o LP da Decca “Satchmo at Symphony Hall” aquele concerto de Louis Armstrong e seus All-Stars, gravado naquela sala de concertos de Boston, em 1947. Até hoje, considero esse disco (tenho a reedição em CD, é claro) o melhor registro de Armstrong (com Jack Teagarden, trombone; Barney Biggard, clarinete; o grande – mesmo “Big” Sid Catlett na bateria; Arvell Shaw, baixo). A partir de então, comecei a ler livros e revistas dedicados ao jazz (Panassié, Marshall Stearns, Nat Hentoff, Lucien Malson, André Hodeir, Gunther Schuller, “Down Beat”, “Metronome”, “Jazz Magazine”, “Jazz Hot”), e a montar uma discoteca com base em dois padrões básicos: qualidade musical e importância histórica. “Descobri”, ao mesmo tempo, Joe “King” Oliver e Dizzy Gillespie, Johnny Hodges e Charlie Parker, Duke Ellington e Stan Kenton. Da mesma forma que descobrira e apreciara (e continuei a apreciar) Vivaldi e Milhaud, Brahms e Honneger, César Frank e Hindemith.
Vários. Como acho que ficou mais ou menos claro, na resposta anterior, não tenho apenas um músico ou um compositor “de cabeceira”. É como na pintura, ou na literatura. Tenho tanto prazer e emoção ao apreciar um Rembrandt, no Rijk Museum de Amsterdam, como um Velasquez, no Prado, ou uma daquelas grandes telas de Pollock, no Moma de Nova York. É tão bom reler Shakespeare como Jorge Luis Borges, Hemingway, Conrad, J.D. Sallinger ou Guimarães Rosa. Assim, escuto muito e admiro muito, no jazz, Louis Armstrong (não o comercial) e Charlie Parker, Duke Ellington e Maria Schneider, Dizzy Gillespie e Clark Terry, Thelonious Monk, Bud Powell e Keith Jarrett, Charles Mingus e Ornette Coleman, Steve Lacy e Benny Goodman, Sonny Rollins e Coleman Hawkins, Lester Young e John Coltrane (e também Albert Ayler), Shorty Rogers, Gerry Mulligan, todo aquele pessoal do west coast jazz e Lennie Trsitano, a Art Ensemble of Chicago e Lee Konitz, Bill Evans e Wynton Marsalis, Cecil Taylor e Dave Douglas.
Em 1960, quando fui a Nova York pela primeira vez (tinha 21 anos), ouvi, numa mesma noite, em dois “sets”, no mesmo clube (o falecido Basin Street East, perto da Times Square), o quinteto de Julian “Cannonball” Adderley e o quarteto de Dave Brubeck (com Paul Desmond, é claro). Foi marcante e fascinante por que, pela primeira vez, ouvia ao vivo, no clima de um jazz club, dois “monstros sagrados” do jazz no cume da fama, botando tudo para fora (“body and soul”), no melhor sentido da expressão. Muitos anos depois (1976), no Jazz Workshop, Boston, passei uma noite ouvindo Sonny Rollins, arrebatador, em estado de graça (ele no palco, nós, desconhecidos, na platéia)
Fusion jazz, smooth jazz são musiquinhas “fast food”. Prefiro a boa “cuisine”. Lembro-me que, há muito tempo, na época dos LPs, saiu uma bolacha intitulada Jazz For People Who Hate Jazz. Fusion e smooth são “jazz para quem não gosta de jazz”, para quem gosta mais de som com ritmo ou de melodias melosas sem qualquer profundidade harmônica (tonal ou politonal), como aquelas que temos de tolerar nos shopping centers como “back ground music”. Há uma discussão antiga sobre a existência ou não de jazz brasileiro. O que você acha, existe jazz brasileiro? Podemos considerar Egberto Gismonti, Cláudio Roditi, Raul de Souza, Dick Farney e Victor Assis Brasil como jazzistas brasileiros?
Sem dúvida existe uma grande influência do jazz na música brasileira à época da bossa nova que acabou por emigrar para os EUA e foi absorvida pelo jazz num efeito “boomerang”, já que, na verdade, fechava-se um circuito em que o samba original, alimentado por harmonias e instrumentação jazzísticas, gera a bossa nova, que por sua vez passa a influenciar fortemente o jazz dos anos 60 até hoje. Praticamente todos os grandes músicos do jazz tocaram, em algum momento, bossa nova com diferentes níveis de interpretação. Alguns incorporaram definitivamente o estilo ao seu repertório, outros flertaram por algum tempo e muitos compuseram “bossas”.
A levada brasileira, sincopada e sutil da bossa nova deixou marcas indeléveis na história do jazz. O saxofonista Stan Getz foi um dos primeiros a executar a bossa nova e se tornou extremamente popular por causa dos seus discos dessa época. Músicos brasileiros adotaram o estilo de frasear nossa música jazzisticamente, improvisando, suingando – o tal do samba-jazz. Não acho que exista um “jazz brasileiro” exatamente, mas uma influência mútua muito grande. Os músicos citados acima são jazzistas de primeira, principalmente Roditi, Dick Farney e Assis Brasil, estes dois últimos, infelizmente, não mais entre nós.
Vou fazer uma apreciação que acho bem interessante sobre aquilo que se designa como música de jazz mania de ser didático contudo acho pertinente. Acontece que há uma verdadeira lenda toda vez que historiadores, críticos e até mesmo músicos começam por tentar definir ou explicar o jazz. E para não fugir do lugar mais que comum aqui estou tentando mais uma definição.
Existe uma célebre citação que é atribuída ao pianista Fats Waller, que ao ser interpelado, talvez por uma senhora já idosa sobre o que seria realmente jazz, tenha dito: “Ora, se a senhora até hoje não sabe será muito difícil que vá compreender agora!”. (Será que foi assim mesmo?). Se tal episódio possuir o mais leve fundo de verdade, entende-se que Fats quis dizer ser o jazz uma arte que sensibiliza, que emociona independentemente de qualquer significado ou explicação didática. É possível que essa seja a melhor definição, nada acadêmica, contudo, sentimental.
Agora... não fugindo ao academicismo, o certo é que jazz designa um gênero de música criado pelos negros dos EUA a partir do início do século XX, tendo como raízes as tradições musicais do africano ocidental, seguindo-se um processo de aculturação afro--euro-americana que durou todo o período da escravatura por cerca de 200 anos e no qual importantes transformações ocorreram na música negra religiosa e profana. Tais modificações incluem fusões com a cultura musical de origem europeia que deu origem a três segmentos: o spiritual, o blues e o ragtime, cada uma com características que antecederam o jazz. Estes elementos amalgamados convergiram para uma forma ou maneira de expressão e criação musical a que se denominou de jazz. Seu conteúdo artístico assim se traduz por um intenso espírito negróide, personificado pela gramática que inclui swing, improvisação, beat, drive, feeling, sonoridades, blues, ataque, etc.
Dada esta clássica e histórica definição, pode-se sentir que o jazz prima por uma linguagem particular, uma gramática própria que apesar de estar sempre em evolução ou apenas em mutação não se permite que seja atribuída como jazz qualquer interpretação, mesmo que apresente alguma forma de improvisação ou levada em um ritmo suingante. Hoje é costume se titular de jazz qualquer coisa, principalmente para se auferir de um certo “status” que o gênero musical é possuidor, enfim, é um “must” intelectual gostar de jazz, tocar jazz, frequentar locais em que se executa jazz ou mesmo pseudojazz, etc.
Também há de se notar que outros gêneros musicais que possuem algum tipo de liberdade ou mesmo de improvisação não são obrigatoriamente jazz, ou mesmo nada têm a ver, como é o caso do chorinho brasileiro. Portanto, há um sentimento específico, referindo-se à qualidade emocional de uma interpretação em contraposição ao virtuosismo muito técnico e desprovido ou diminuído da emoção que deve existir no relacionamento entre músico e público, encontrado principalmente no jazz.
